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70mm Film Introductions
Schauburg's 7. Todd-AO 70mm festival,
Karlsruhe, Germany
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in70mm.com
The 70mm Newsletter
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Feature
film text by: Wolfram
Hannemann, Korntal, Germany. Images by: Thomas Hauerslev |
Date:
07.10.2011 |
The
walking motion picture encyclopedia, Mr. Wolfram Hannemann, is again
leading the troops with absolutely stunning introductions.
Im Namen des Schauburg Cinerama Theaters
darf ich Sie ganz herzlich willkommen heissen in Karlsruhe zur bereits
siebenten Auflage des „Todd-AO 70mm Filmfestivals“.
Für alle, die mich noch nicht kennen und für diejenigen, die mich nicht
mehr erkennen, darf ich mich kurz vorstellen: mein Name ist Wolfram
Hannemann. Wie Sie unschwer an meinem T-Shirt erkennen können, bin ich
sozusagen 70mm-Fan mit Leib und Seele. Wenn ich nicht gerade dieses
Festival moderiere, schreibe ich Filmkritiken u.a. für die Stuttgarter
Nachrichten und für das monatliche LivePaper der Schauburg und bin seit
fast 20 Jahren Geschäftsführer eines Versandhandels für Heimkinomedien.
Sie merken vielleicht: Film bestimmt nicht nur mein Leben, sondern ist
mein Leben – manchmal sehr zum Leidwesen meiner Frau. Aber das ist eine
andere Geschichte.
Neben den vielen Filmraritäten, die wir auch an diesem Wochenende wieder
sehen werden, freue ich mich wie jedes Jahr auf die vielen vertrauten
Gesichter, die Jahr für Jahr unserer Einladung folgen und oft eine
langwierige Reise auf sich nehmen, um dabei sein zu können. Denn was
könnte schöner sein als gemeinsam im abgedunkelten Kinosaal Filme zu
schauen. Eine Leidenschaft, die uns alle, die wir hier sind, verbindet
und uns zu einer großen Kinofamilie macht. Natürlich freue ich mich auch
über jedes neue Gesicht, das sich uns anschließt. Wir alten Hasen wissen
es natürlich schon längst: dieses Festival macht süchtig! Und so werden
Neueinsteiger schon bald feststellen: Einmal ist keinmal.
Lassen Sie uns also an diesem Wochenende wieder die hohe Kunst des
Filmvorführens so richtig zelebrieren. Und das mit dem Nonplusultra der
Kinotechnik. Auch wenn sich viele unserer Kopien aufgrund instabilen
Kopiermaterials schon farblich verändert haben, wird es trotzdem eine
Wonne sein, diese Filme aus den 60er und 70er Jahren auf unserer 120
Grad gewölbten Cinerama Bildwand zu erleben.
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On behalf of the Schauburg Cinerama
theatre I welcome you to the „7th Todd-AO 70mm film festival“.
Variety is the spice of life. And variety is also reflected in this
year’s festival program. Whether it is Russian folklore as background to
a tragic love story, the story of Jesus as told in the widest of the
70mm processes, whether it is the film which is said to have inspired
Bob Kane to create „Batman“, or a non-traditional American western with
no heroes, or even an adventure tale inspired by 1001 Nights, whether it
is a very loud concert movie, a Shakespearean play, a real musical, a
Samuel Bronston epic, five Canadian short films or a bank robber story
set in World War II – we have it all! And even more: we feature quite a
number of productions which haven’t shown before in this country! And if
you ever wondered which film it was that Telly Savalas had his head
shaven for for the first time, you will find out this afternoon.
My name is Wolfram Hannemann and it is once again my pleasure to be your
anchorman during the festival, insulting the English language with my
Swabian accent and trying to get your attention with lots of unnecessary
information while our projectionists try to fix up things in the booth.
But you should take it as a chance to improve your German. In favor of
making my intros more interesting I will not tell the same things in
German and English, but will split them between the two languages. So
stay tuned.
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"Bela" / "Geroy Nashego
Vremeni"
/ "Tragik einer Liebe" / "Hero of Our Time"
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Beginnen wollen wir unseren Reigen
breitformatiger Filme gleich mit einem auf dem größten für Kinofilme
verfügbaren Negativmaterial aufgenommenen Liebesdrama. Denn wie in der
ehemaligen Sowjetunion stets gehandhabt, wurde auch BELA – TRAGIK EINER
LIEBE nicht gemäß westlichem Standard auf 65mm-Material aufgenommen,
sondern direkt auf 70mm-Negativ belichtet.
Mit großem Aufwand und viel Liebe zum Detail inszenierte Stanislaw
Rostozki den im zaristischen Russland spielenden Film nach einem Roman
von Mikhail Lermontov an Originalschauplätzen im Kaukasus. Eigens dafür
wurden unter anderem eine Kosakenfestung und ein kabardinischer
Fürstensitz aufgebaut. Bei allen im Film verwendeten Requisiten handelt
es sich um keine Imitate, sondern um Originale. Der Regisseur war im
ständigen Kontakt mit dem lokalen Nationalmuseum, das Waffen und
Gegenstände des kaukasischen Alltags bereitstellte. Selbst die im Film
gezeigten kaukasischen Essgelage sind authentisch. Auch hier gab es
keine Imitate – alle Gerichte wurden original zubereitet.
Als Konsultanten fungierten u.a. der Literaturwissenschaftler und
Lermontow-Experte Irakli Andronikow und die Ethnografin Studenezkaja,
eine Kennerin der traditionellen adygischen Kleidung. Entgegen dem sonst
üblichen Vorgehen wurden die Kostüme in Frankreich und in den
Werkstätten des Bolschoi-Theaters in Moskau genäht.
Seine Premiere feierte der Film im berühmten Moskauer „Rossija“-Kino.
Dort konnten sich die 2500 geladenen Gäste dann „live“ an den
wunderbaren Filmkostümen erfreuen, die die Schauspieler eigens für die
Premiere noch einmal angelegt hatten und auf der Vorbühne des Kinosaals
präsentierten.
Für Musikfreunde unter unseren Zuschauern noch der Hinweis, dass kein
Geringerer als Mstislaw Rostropowitsch die Cello-Soli der Filmmusik von
Kirill Molchanov eingespielt hat.
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Let’s start our festival with a Russian
film from 1966 – giving me the chance to get these Russian names out of
my way!
Based upon a novel by famous writer Mikhail Lermontov, BELA centers
around the amourous adventures between a czaristic officer who is
transferred for disciplinary reasons and a Circassian girl. Her name is
Bela and thus the title of the film.
The film was directed by Stanislav Rostotsky, who was born in April 1922
in Russia, where he also died aged 79. Let me tell you a bit more about
him.
Stanislav Rostotsky was a renown Russian film director whose two films,
THE DAWNS HERE ARE QUIET (A ZORI ZDES TIKHIE) (1972) and BELYY BIM
(1977) were each nominated for an Academy Award and received many other
international awards. His father was a respected Medical Doctor and
later became an official at State Department of Health. His mother was a
homemaker. Young Rostotsky spent much of his childhood in a village in
Central Russia. There he developed his special ability to uncover the
beauty of wild nature, that later became a professional forte in his
directing. In 1936, at age 14, Rostotsky made his film debut as an actor
in BEZHIN LUG, albeit some parts of the film were lost, including most
of his scenes.
At that time he met the legendary director Sergei M. Eisenstein. Under
the guidance from Eisenstein, young Rostotsky studied literature and
arts, and focused on such writers as Balzac and Zola, composers Debussy
and Ravel, art of Japanese prints and Impressionist paintings by such
artists as Renoir and Degas among others. Rostotsky and Eisenstein
became life-long friends. Upon Eisenstein's advise, Rostotsky did not
rush into film business until he achieved a well-rounded education. He
attended Moscow Institute of Philosophy and Literature.
In February 1942 Rostotsky was drafted in the Red Army. After a brief
training, he served as a private with the 6th Cavalry Guards Brigade at
the Ukrainian Front, fighting against the Nazi troops during the Second
World War. On February 11, 1944 Rostotsky was severely wounded in
action; after having his leg amputated he undergone a comprehensive
six-month treatment, and had to wear a prosthesis for the rest of his
life. Rostotsky was decorated with the Order of the Red Banner for his
courage in battle. In August of 1944 Rostotsky became a student of
director Grigori Kozintsev at Leningrad Institute of Cinematography.
There he studied film directing for seven years, assisted in Kozintsev's
films, and graduated in 1951 as a film director. From 1952 to 2001 he
worked at Gorky Film Studio in Moscow, where he made 17 films as
director. Stanislav Rostotsky was awarded the State Prize of the USSR
twice (1970, 1975).
He was designated People's Artist of the USSR, and received numerous
awards and decorations for his contribution to film art. He was a Member
of the Board of Union of Cinematographers, and five times Member of the
Jury at Moscow International Film Festival. He also taught directing at
State Institute of Cinematography in Moscow, and wrote numerous articles
on film directing and film history.
He also wrote memoirs about Eisenstein, Gerasimov, Moskvin, and other
Russian film figures. Rostotsky was married to notable Russian actress
Nina Menshikova and their son Andrei became a popular film actor.
Outside of his film profession Stanislav Rostotsky was famous for his
support of recreational fishing and was known for releasing his catch
alive; he was decorated with the Medal of Honor "For Development of
Fishing Resouces in Russia" and also presided at several sport fishing
competitions.
We will be showing BELA in 70mm in its original Russian version as well
as German subtitles. Be aware: thanks to the Sovcolor process this print
is not faded, but in vivid colour!
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"The Greatest Story Ever Told" / "Die größte Geschichte aller Zeiten"
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Die Dreharbeiten zu DIE GRÖSSTE GESCHICHTE
ALLER ZEITEN begannen im Jahre 1962 und wurden im folgenden Jahr beendet.
Gedreht wurde in Arizona, Kalifornien, Nevada und Utah. Pyramid Lake in
Nevada diente als See Galiläa, Lake Moab in Utah wurde für die
Bergpredigt genutzt und das Death Valley in Kalifornien diente als Bühne
für Jesus‘ 40tägige Reise in die Wildnis. Besondere Eile war beim Drehen
der Szenen mit Johannes dem Täufer in der Glen Canyon Region geboten.
Denn durch den Bau des Glen Canyon Damms sollte aus dieser Region der
Lake Powell entstehen, was durch die Dreharbeiten verzögert wurde.
Begonnen hatten die Dreharbeiten im 3-Streifen Cinerama-Verfahren, also
jenem Prozess, bei dem eine Kamera mit 3 35mm Negativen zum Einsatz kam.
Nach etwa 30 Drehtagen entschied man sich jedoch, den Film im wesentlich
einfacheren Ultra Panavision 70 Verfahren aufzunehmen, also auf 65mm
Negativfilm mit einer anamorphotischen Linse.
Erst 1965, also zwei Jahre nach dem Ende der Dreharbeiten, erlebte das
von George Stevens inszenierte Epos seine Weltpremiere im Warner
Cinerama Theatre in New York. Die Reaktionen der Kritiker war gespalten,
der Erfolg an der Kinokasse blieb aus. Stand 1983 hatte der Film gerade
einmal unter 8 Millionen US Dollar eingespielt, was in etwa 17% des
benötigten „Break-Even-Point“ entsprach. Der Film verschlang ein
Gesamtbudget von 20 Millionen US Dollar was inflationsbereinigt heute
etwa 142 Millionen US Dollar entsprechen würde. Kein Wunder: nicht
weniger als 47 Sets wurden für den Film aufgebaut. Die prekäre
finanzielle Situation sowie das Unvermögen des Films, sich einem großen
Publikum zu erschließen, führte dazu, dass sich in den Folgejahren
niemand mehr an weiteren Bibelverfilmungen versuchte.
Stevens Inszenierung hebt sich ganz bewusst von gängigen
Bibelverfilmungen ab. Mit klaren Bildkompositionen und statischen
Kameraeinstellungen wird eine Sensation der Stille und Ehrfurcht
erschaffen. Großen Anteil daran hat auch das Sounddesign des Films. DIE GRÖSSTE GESCHICHTE ALLER ZEITEN dürfte vermutlich das leiseste Bibelepos
sein, das jemals produziert wurde. In vielen Szenen herrscht fast
vollkommene Stille vor und selbst die Schauspieler flüstern ihre Texte
nahezu. Eben alles andere als gewohnte Hollywood-Bibel-Kost.
Die Musik zu George Stevens Film komponierte Hollywood-Legende Alfred
Newman, dessen Söhne Thomas und David inzwischen in die Fußstapfen ihres
Vaters getreten sind und zu den begehrtesten Filmmusikkomponisten zählen.
Alfred Newman, der zur Zeit von DIE GRÖSSTE GESCHICHTE ALLER ZEITEN
gesundheitlich angeschlagen war, wurde bei seinem Mammutwerk von Ken
Darby, Hugo Friedhofer und Fred Steiner unterstützt.
DIE GRÖSSTE GESCHICHTE ALLER ZEITEN wurde für fünf Academy Awards
nominiert: beste Musik, Beste Farbfotografie, Beste Ausstattung, Beste
Kostüme und Beste visuelle Effekte.
Ursprünglich dauerte der Film 260 Minuten, wurde dann jedoch auf 238
Minuten, dann auf 197 Minuten und schließlich auf 137 Minuten gekürzt.
Bei der uns vorliegenden 70mm-Kopie handelt es sich um die optisch
korrigierte 197-Minuten-Version, die offensichtlich später im Positiv
vom Verleih auf eine kürzere Version geschnitten wurde. Wir zeigen Ihnen
die ursprüngliche Schnittfassung und spielen die geschnittenen Szenen
digital und farbangepasst ein.
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THE GREATEST STORY EVER TOLD originated as
a U.S. radio series in 1947, half-hour episodes inspired by the Gospels.
The series was adapted into a 1949 novel by Fulton Oursler, a senior
editor at Reader's Digest. Darryl F. Zanuck, the head of 20th Century
Fox, acquired the film rights to the Oursler novel shortly after
publication, but never brought it to pre-production. In 1958, when
George Stevens was producing and directing THE DIARY OF ANNE FRANK at
20th Century Fox, he became aware that the studio owned the rights to
the Oursler property and created a company, 'The Greatest Story
Productions', to film the novel.
It took two years to write the screenplay. Stevens collaborated with
Ivan Moffet and then with James Lee Barrett. It was the only time
Stevens received screenplay credit for a film he directed. Ray Bradbury
and Reginald Rose were considered but neither participated. The poet
Carl Sandburg was solicited though it is not certain if any of his
contributions were included. Sandburg, however, did receive screen
credit for “creative association.”
Financial excesses began to grow during pre-production. Stevens
commissioned French artist André Girard to prepare 352 oil paintings of
Biblical scenes to use as storyboards. Stevens also traveled to the
Vatican to see Pope John 23rd for advice.
In August 1961, 20th Century Fox withdrew from the project, noting that
$2.3 million had been spent without any footage being shot. Stevens was
given two years to find another studio or 20th Century Fox would reclaim
its rights. Stevens moved the film to United Artists.
THE GREATEST STORY EVER TOLD featured an ensemble of well-known actors,
many of them in brief, even cameo, appearances. Some critics would later
complain that the large cast distracted from the solemnity, notably in
the appearance of John Wayne as the Roman centurion who comments on the
Crucifixion by stating: “Truly this man was the son of God.”
Being a perfectionist, George Stevens did many takes of John Wayne's
single line. A rumor has long persisted that at one stage Stevens
pleaded with Wayne to show more emotion, an overwhelming sense of awe.
During the next take, Wayne changed the line to, "Aw, truly this man was
the son of God."
Principal photography was scheduled to run three months but ran nine
months or more due to numerous delays and setbacks (most of which were
due to Stevens' insistence on shooting dozens of retakes in every
scene). Joseph Schildkraut died before completing his performance as
Nicodemus, requiring scenes to be rewritten around his absence.
Cinematographer William C. Mellor had a fatal heart attack during
production; Loyal Griggs, who won an Academy Award for his
cinematography on Stevens’ 1953 Western classic SHANE, was brought in to
replace him. Joanna Dunham, who played Mary Magdalene, became pregnant,
which required costume redesigns and carefully placed camera angles.
Stevens brought in two veteran filmmakers: Jean Negulesco and David
Lean. Negulesco filmed sequences in the Jerusalem streets while David
Lean shot the prologue featuring Herod the Great between his films
LAWRENCE OF ARABIA and DOCTOR ZHIVAGO. He did it as a favor for George
Stevens, who was bogged down with the production in Nevada.
In favor of my intro not becoming „The Longest Introduction Ever Told“ I
better stop it here. Just a technical note: please keep in mind that we
will run a German dubbed 70mm print with color fading. It was optically
corrected for presentation on Super Cinerama screens. Thus you will
notice an anamorphic squeeze at the left and right edges of the picture.
Since some parts of the film are missing in our print, we will add these
missing scenes digitally, thus resulting in the 197 minute version.
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"Wild Rovers"
/ "Missouri"
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Nichts war mehr so wie es war im Western
der 1970er-Jahre. Nur ein einziger Schauspieler verteidigte eisern den
klassischen Hollywood-Western, wie man ihn seit Jahrzehnten gewohnt war:
John Wayne verkörperte nach wie vor jene Art von Western, die sich durch
mitreißende moralische Grundsätze und scharf abgegrenzte Helden und
Bösewichter auszeichneten. Doch zwei äußerst erfolgreiche Western
sorgten 1969 dafür, dass mit dieser festgefahrenen Form gebrochen wurde:
BUTCH CASSIDY AND THE SUNDANCE KID und THE WILD BUNCH. Beide Filme
wurden aus der Sicht der Banditen erzählt. Im Ersteren zwar noch in
einer fast comichaften Art und Weise, im Letzteren allerdings ganz ohne
Witz und knallhart bis zum bitteren Ende. Und ein weiterer Western hatte
zu dieser Zeit bereits das Bild des Hollywood-Western ziemlich ins
Wanken gebracht: Sergio Leones SPIEL MIR DAS LIED VOM TOD.
Auch Blake Edwards‘ MISSOURI gehört zu jenen Spätwestern, die sich
dieses vollkommen neuen Blickes auf den Wilden Westen bedienten. Sein
Film macht von Anfang an klar, dass den Protagonisten William Holden als
alternder Cowboy Ross und Ryan O’Neal als sein Kumpel Frank, ein
hitziger Jungspund, nicht jener ikonenhafte Status alter Kinovorbilder
zusteht. Beide sind nur kleine Rädchen im Getriebe einer Ranch, auf der
sie als Cowboys ihr Dasein fristen. Blake Edwards, der nicht nur Regie
führte, sondern auch das Drehbuch verfasste, hatte bei MISSOURI stets
einen Anti-Western im Sinn. So ist es nicht weiter verwunderlich, dass
der Banküberfall, den Ross und Frank im Verlaufe des Films ausführen,
nicht etwa aus Prahlerei oder gar Verzweiflung geschieht, sondern aus
purer Langeweile.
Wenn es überhaupt so etwas wie einen kommerziellen Aspekt in Edwards‘
Film gab, dann in der Besetzung der Hauptrollen. Der erst kurz zuvor
durch den Kassenhit LOVE STORY berühmt gewordene Ryan O`Neal sowie
Hollywood-Legende William Holden sollten durch die Kombination von
Holdens Langlebigkeit und O`Neals jugendlicher Anziehungskraft Umsätze
garantieren.
Doch Edwards‘ Entschlossenheit, einen nicht traditionsgemäßen Film zu
machen, verwirrte das Studio. Nach einer schlecht angenommenen Sneak
Preview beschloss MGM, den Film von seinen 136 Minuten Spielzeit auf 106
Minuten zu kürzen. In dieser gekürzten Version wurden viele der Szenen,
die MISSOURI ihren ganz besonderen Charakter gaben, komplett entfernt
oder verstümmelt. Bei MGM wollte man sogar noch einen Schritt weiter
gehen und bat Edwards, das Ende seines Films umzuändern und nachzudrehen.
Doch Edwards blieb hart – das Ende wurde nicht verändert.
Nichtsdestotrotz war Edwards über das Schicksal seines Filmes verbittert
und er gab dem damaligen MGM-Präsidenten James T. Aubrey, der den
Spitznamen „Die grinsende Cobra“ hatte, die Schuld an dem Desaster. Auch
andere Regisseure gerieten mit Aubrey aneinander: John Frankenheimer bei
THE GYPSY MOTHS, Sam Peckinpah bei PAT GARRETT UND BILLY THE KID und Ken
Russell bei THE BOYFRIEND. Aubrey war es auch, der andere wichtige
Filmprojekte stoppte, um Filme wie SHAFT zu realisieren oder das MGM
Grand Hotel in Las Vegas zu bauen. Schließlich ordnete er sogar die
Auflösung des Studios an und ließ Requisiten und Kostüme, Outtakes und
Screen Tests sowie Partituren und Musikaufnahmen vernichten.
Die vom Studio angeordneten Kürzungen betrafen zunächst nicht die
internationale Fassung des Films. So startete MISSOURI Weihnachten 1971
unter anderem im Stuttgarter Atrium in der ungekürzten
70mm-Roadshow-Version mit Ouvertüre, Pause, Intermezzo und Exit Music.
Und so freuten wir uns sehr, als wir die jetzt vorliegende deutsch
synchronisierte 70mm-Kopie für unser Archiv erwerben konnten. Doch die
Freude war verfrüht. Während den Vorbereitungen für unser Festival
mussten wir feststellen, dass diese Kopie über etliche Nassklebestellen
verfügt und weder Ouvertüre noch Pause enthält. Offensichtlich ließ MGM
nachträglich alle eingesetzten Kopien auf 106 Minuten trimmen. Die
Farben dieser Kopie haben zwar schon gelitten, doch dafür wird Jerry
Goldsmiths brillante Musik im vollen 6-Kanal Stereo Magnetton zu hören
sein.
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WILD ROVERS was a departure for Blake
Edwards. The creator of the TV detective series PETER GUNN and the man
behind the PINK PANTHER films was primarily known for broad physical
comedy and suspense films lime EXPERIMENT IN TERROR from 1962. In an
American Cinematographer article chronicling the film’s production,
Edwards explained that he wrote a western at the request of his son,
adapting a story he had originally developed as a contemporary idea.
De-romanticizing the western milieu was always his intention. „I think
it’s very important to show the vastness, the loneliness, the boredom
and natural beauty of the West during that period“, he said, „because
that loneliness and boredom are the main motivating factors that affect
my principal characters. When I wrote the script I could imagine, particularily, the young cowboy looking at the older man, sensing his
own environment, the boredom of the day-by-day, ritualistic, dull cowboy
life – and longing for a way out. It’s what drives him to say to his
partner , after a particularly hard night: ‚Hey, let’s stick up a
bank!‘. Which is exactly what happens. In scouting for locations by
helicopter I looked for as much photographic uniqueness and beauty and
stretches of boring landscape as I could find“. Edwards found the bleak
locations he was looking for at Arches National Park, Monument Valley
and Moab in Utah, Montana and Arizona.
The film was shot in Anamorphic Panavision by Philip Lathrop and blown
up to 70mm for roadshow engagements. At least the version which opened
on Christmas Day of 1971 in Germany seems to have been the complete 136
minute version including an overture, an intermission, an intermezzo and
an exit music. The bad news about our print is that it is the cut 106
minute version. This cut most likely was done after the film’s initial
release which was not a big box office success.
The music score was composed by Jerry Goldsmith and I must admit that it
is one of my favorite scores by this composer. After having seen PATTON
director Blake Edwards decided to use Goldsmith’s talent for his film.
Edwards‘ idea was to have a score in the tradition of Aaron Copland’s
„Rodeo“ or „Billy the Kid“. And Jerry delivered. So enjoy his score
unfold in the 6-track mix of our German dubbed 70mm print!
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"Sheherazade" / "Sheherazade - Der goldene Löwe von Bagdad"
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Die Recherchen für den nächsten Film in
unserem Programm haben mir einiges an Kopfzerbrechen bereitet. Wie führt
man in einen Film ein, über den es so gut wie keine Informationen gibt?
Dabei handelt es sich immerhin um die erste französische Co-Produktion
im 65mm-Format, die seinerzeit ein Budget von 10 Millionen Francs
verschlang! Doch Fehlanzeige. Es ist fast so als hätte es diesen Film
nie gegeben. Mit Hilfe einiger Breitformatenthusiasten ist es mir
gelungen, ein paar wenige Fakten in Erfahrung zu bringen. Die möchte ich
Ihnen natürlich nicht vorenthalten. Da wir Ihnen eine deutsch
synchronisierte Version des Films zeigen und es nicht gerade viele
Informationen dazu gibt und es nicht sonderlich spannend ist, den selben
Text einmal in Deutsch vorzutragen und danach alles nochmals in Englisch
zu wiederholen, habe ich mich dazu entschlossen, die Einführung für SHEHERAZADE komplett in Englisch zu belassen. Unseren ausländischen
Gästen wird das sicher gefallen und für alle anderen – mich
eingeschlossen - ist es eine nette Englischübung.
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Our next screening is most likely one of
the rarest screenings we ever featured in the Todd-AO film festival. The
film itself is even so rare that nobody seems to know anything about it
at all! So how are you supposed to do an introduction to a film nobody
knows nothing about? It was a real challenge and it still is. However I
discovered a very interesting fact about the film: it has a very well
known French director in its cast! You all know him: Jean-Luc Godard,
who introduced the film world to the „Nouvelle Vague“, the French New
Wave cinema of the sixties. So how come that he acts in SHEHERAZADE?
Just have a look at the film’s leading actress, Anna Karina. Born in
Denmark, she came to Paris and met Jean-Luc Godard about a cameo in A
BOUT DE SOUFFLE, but since the role required to be naked she refused to
play in the movie. One year later, Jean-Luc Godard and Anna Karina got
married. So I assume that Godard ended up in SHEHERAZADE just because he
was visting his wife Anna on the film set. However, his role seems to be
a very minor one since not even a name is attached to his part.
Maybe some of you will spot him while he appears on screen. That in fact
should be very easy because the film was shot in the best possible way:
in 65mm MCS 70 Superpanorama, resulting in a razor sharp image quality.
Unfortunately the colours have faded already, but as a regular to our
festival you should be used to that by now! SHEHERAZADE was the first
MCS 70 film which was processed in France. Adverts from the first run
proudly feature the logo „in MCS 70mm Superpanorama – Laboratoires
Francais“. The film opened in Paris during Spring 1963 in three cinemas:
the „Moulin Rouge“ (not the night club!), the „Le Français“ and the
„Miramar“. The film was released in the USA exactly two years after its
French premier and it was released by Shawn International in an English
dubbed 35mm version with mono sound only.
Sincere thanks goes to Jan-Hein Bal from EYE Film Insitute Netherlands
who provided me with some production stills from SHEHERAZADE which
obviousely were taken during location filming in Morocco. One of the
stills shows injured leading actor Gerard Barray being taken off the
film set. Maybe he was falling off a horse or something like that. It
probably stays a mystery for ever.
Let me say a word about SHEHERAZADE’s music score. It was composed by
Andre Hossein, who is the father of well-know French actor Robert
Hossein. A couple of years ago Robert Hossein produced a show in France
which was titled "Ben Hur - Plus Fort Que La Legende" and the entire
music of that show is actually the sound track of SHEHERAZADE. And it
still is available on CD, whereas the original soundtrack album for
SHEHERAZADE has long disappeared.
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And if you believe it or not: SHEHERAZADE is featured in another film.
It is titled ONCE UPON A TIME IN BEIRUT and was made in 1995. It is
about two young girls of the war generation, Yasmin and Leila, who are
in search of Beirut. When they meet an elderly film enthusiast with a
secret store of Lebanese films, they persuade him to screen his
collection for them. But don’t ask me whether this enthusiast screens
SHEHERAZADE for them in 70mm, for I have not seen that film – yet.
And now, ladies and gentlemen, SHEHERAZADE in razor sharp 70mm with a
discrete 6-track magnetic stereo sound mix and the colour which triggers
tears in our eyes: magenta. So just use your imagination and let you
take away by this tale.
One word of warning before we start our show: it seems that one reel is
missing from our print. Up to the last minute we hoped that we would be
able to locate the missing reel. However, it did not work out. So again
your imagination is needed to overcome some 12 to 15 minutes of footage
which is missing from our print.
Once upon a time...
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"Dance Craze"
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Ich darf Sie herzlich willkommen heissen
zu einer Deutschlandpremiere. Denn der 1981 entstandene Konzertfilm DANCE CRAZE wurde meinen Recherchen zufolge noch nie in einem deutschen
Kino gezeigt – und schon gar nicht im 70mm Format!
Die Idee zu dem Film stammt angeblich vom Sohn des Regisseurs Joe Massot.
Der nämlich ging damals noch zur Schule und kannte sich folglich in der
angesagten Musikszene aus. Da sein Vater bereits einen anderen
Konzertfilm realisiert hatte, nämlich THE SONG REMAINS THE SAME mit Led
Zeppelin, schlug er ihm vor, ein Konzert mit den „Bad Manners“, „The
Specials“, „The Bodysnatchers“ usw. aufzunehmen – Musikgruppen, die
Massots Sohn von Konzertbesuchen in England kannte. Joe Massot nahm
Kontakt auf zu Joe Dunton, den er als Kameratechniker bei Samuelson Film
Services kennengelernt hatte. Dunton hatte inzwischen seine eigene
Kamerafirma und sollte ihm bei der Realisierung des Konzertfilms helfen.
Massot plante den Film auf Super 16 aufzunehmen und dann auf 35mm
aufzublasen. Doch bei Joe Dunton traf er auf genau den Richtigen. Der
hatte nämlich schon einige Experimente mit Blow Up von Super 35 auf 70mm
gemacht und war seit seiner Arbeit an der Musicalverfilmung von OLIVER begeisterter 70mm-Fan. Joe Dunton überzeugte Joe Massot,
DANCE CRAZE in
Super 35 aufzunehmen, um anschließend auf 70mm aufzublasen. Bei
Verwendung eines Aspect Ratios von 1:1.66 auf dem entsprechend großen
Super 35 Negativ würde der notwendige Vergrößerungsfaktor nur minimal
ausfallen und damit eine bestmögliche Qualität garantieren. Ein weiterer
und sehr wichtiger Vorteil waren die Magnettonspuren, die man bei 70mm
nutzen konnte.
Was wäre ein Musikfilm ohne den entsprechenden Sound?
6-Kanal Dolby Stereo Magnetton war damals State-of-the-Art. Und das
Sahnehäubchen war der sogenannte „Split Surround“, der den
Surroundbereich in „Surround Links“ und „Surround Rechts“ unterteilte
und den Dolby mit den Filmen SUPERMAN und APOCALYPSE NOW in den Kinos
lancierte.
Unter Federführung von Joe Dunton wurden die Konzerte mit Steadycams
aufgenommen. Und nicht etwa aus der Perspektive des Publikums, sondern
vielmehr direkt auf der Bühne. Um eine bestmögliche Tonmischung zu
garantieren, wurden die Tonaufnahmen vor Ort direkt in 24-Spur-Technik
aufgenommen. Die Endmischung besorgte Bill Rowe in den Elstree Studios.
Don Toms von Technicolor London besorgte den Blow Up des Super 35
Materials auf 70mm. Mithilfe eines von Joe Dunton mitentwickelten
optischen Printers konnte direkt vom Super 35 Negativ nahezu verlustfrei
auf 70mm kopiert werden. Und das Resultat überzeugt, wie Sie gleich
selbst sehen werden. Nur die Farben haben in den letzten 30 Jahren etwas
eingebüßt.
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Up to now there have been three waves of
Ska: the original, jamaican wave took place at the beginning of the
1960s. Out of this music Rocksteady, Bluebeat and Reggae were developed.
The second wave of Ska occured at the end of the 1970s in England. In
the mid 1980s the third wave spread around the globe. The dancing style
associated with Ska is called Skanking. DANCE CRAZE covers the second
wave which was also known as „2-tone ska“, because it was record label
„2 Tone Records“ on which most of the bands involved would release their
albums.
I found the following short review of the film we are going to screen in
a moment, DANCE CRAZE, on the internet: „This riveting, exciting, melloneous film is about the coming and going of '2-tone ska' in
Britain. After the First wave of ska (bob marley, skatalites) ska
attacked Europe with the second wave. With live performances from like
the Specials, the Selecter, Bad Manners, Madness, the Beat, and the
Bodysnatchers, this documentary is amazing. If you are new to ska and
want to know where it all came from, or if you are a veteran and you
just want to re-live these exciting moments, check out this film.“
DANCE CRAZE from 1981 was directed by Joe Massot, an American-born
British film director and writer most notable for the film WONDERWALL
from 1968 which featured George Harrison's first soundtrack. He also
directed Led Zeppelin’s concert film THE SONG REMAINS THE SAME in 1976,
although he was removed from this project and didn't finish it. He also
directed SPACE RIDERS and REFLECTIONS ON LOVE and was given writing
credit on the George Lazenby box office flop UNIVERSAL SOLDIER in 1971. Massot died on 4 April 2002, after a short illness, at his Flood Street
home in London, England.
Under the supervision of widescreen fan Joe Dunton DANCE CRAZE was
filmed in Super 35 on location in Aylesbury, Bradford, Coventry, Hemel
Hempstead, Liverpool, London, Portsmouth, Sunderland and Tyne & Wear,
all of which are located in the UK. The print we are showing you this
afternoon is the only 70mm print which was ever struck and it was
optically blown up directly from the 35mm neg. It ran for just two weeks
at the Dominion Tottenham Court Road in London when it was released back
in 1981. I first saw the print when it was screened during the
Widescreen Weekend in Bradford this year and was amazed by the picture
quality and the really great sound. In contradiction to what our flyer
tells you, DANCE CRAZE has a running time of 91 minutes, not just 50
minutes as stated in the flyer. So you will get lots of music! Whether
you like that sort of music or not, I am sure you will like our
presentation, which will be quite loud, by the way.
And now ladies and gentlemen – for the first time in Germany – DANCE
CRAZE!
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"Hamlet"
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Guten Abend, meine Damen und Herren,
im Namen des Schauburg Cinerama Theaters darf ich Sie ganz herzlich
willkommen heissen zu unserer diesjährigen Gala-Vorstellung im Rahmen
des „7. Todd-AO 70mm Filmfestivals“: William Skakespeares HAMLET in der
Inszenierung von Kenneth Branagh.
Obgleich es mehr als 20 Kinofilme sowie eine ganze Reihe von
Fernsehinszenierungen des HAMLET-Stoffes gibt, setzte Regisseur und
Hauptdarsteller Kenneth Branagh mit seiner 1996 entstandenen
Literaturverfilmung Maßstäbe in gleich zweierlei Hinsicht. Zum einen ist
es die einzige HAMLET-Verfilmung, in der die Originaldialoge von William
Shakespeare ungekürzt übernommen wurden und die dadurch in einer
Spielzeit von über vier Stunden resultiert. Zum anderen – und das ist
speziell für unser Publikum hier von größtem Interesse - ist es die
einzige HAMLET-Verfilmung, die im grandiosen 65mm-Format aufgenommen
wurde.
Ich erinnere mich noch genau an jenen Tag, an dem ich aus der Presse
erfuhr, dass HAMLET in Panavision Super 70 aufgenommen wird. Das war zu
jener Zeit schon eine kleine Sensation. Der letzte Film im Königsformat
lag bereits vier Jahre zurück – Ron Howards FAR AND AWAY – IN EINEM
FERNEN LAND. Als der Film dann schließlich in die Kinos kam, wartete ich
leider vergebens darauf, eine 70mm-Kopie davon in meinem Heimatort
Stuttgart zu erleben. Ich weiß schon gar nicht mehr, ob der Film dort
überhaupt gezeigt wurde. Wenn, dann allenfalls im 35mm-Format. Nein
Danke, sagte ich mir und verzichtete. Auch den Versuchungen, den Film
auf LaserDisc oder DVD anzuschauen, konnte ich widerstehen. Und das
Warten hat sich für mich am Ende gelohnt.
Denn im März 2008 war es soweit. Im Rahmen des „Widescreen Weekend“ im
englischen Bradford wurde HAMLET mit einer 70mm-Kopie aufgeführt. Nun
bin ich wahrhaftig kein Shakespeare-Kenner geschweige denn –Fan, doch
Kenneth Branaghs HAMLET hat mich begeistert. Ich habe selten einen
visuell derart opulenten Film gesehen. Ich bin mir ganz sicher, dass Sie
mir nach der Vorführung beipflichten werden - selbst wenn unsere Kopie
schon deutliche Gebrauchsspuren aufweist (ich nehme an, dass es dieselbe
Kopie ist, die 2008 in Bradford gezeigt wurde).
Wir hatten Kenneth Branagh zu unserer Vorführung hier in die Schauburg
eingeladen und er wäre auch sehr gerne gekommen, handelt es sich doch
gerade bei diesem Film um sein Herzensprojekt, doch leider steht er an
diesem Wochenende im Lyric Theatre in Belfast auf der Bühne, jener Bühne
also, die den in Belfast gebürtigen Branagh zu seinem großen Durchbruch
verhalf. Wen es interessiert: Branagh ist dort noch bis zum 16. Oktober
in der Komödie THE PAINKILLER zu sehen.
Bevor ich für unsere ausländischen Gäste noch ein paar Anmerkungen zum
Film in englischer Sprache machen werde, lassen Sie mich noch etwas zur
Story von HAMLET erzählen. Da wir den Film im englischen Originalton,
also im Shakespeare‘schen Original zeigen, dürfte es für diejenigen, die
nicht mehr so ganz fit im Englischen sind, vielleicht ganz hilfreich
sein, die Handlung in groben Zügen zu erfahren. Die Tragödie von Hamlet,
Prinz von Dänemark (The Tragedy of Hamlet, Prince of Denmark, wie das
Stück im Original heisst) ist eine der bekanntesten und am häufigsten
aufgeführten Tragödien von William Shakespeare. Der Geist seines
kürzlich verstorbenen Vaters teilt dem dänischen Prinzen Hamlet eines
Nachts mit, dass er durch dessen Bruder Claudius ermordet wurde und dass
er, Hamlet, Rache üben müsse. Um den Mörder zu überführen und seine
Rache vorzubereiten, gibt Hamlet vor, wahnsinnig zu sein. Hamlet lauert
seinem Onkel auf und ersticht irrtümlich den Oberkämmerer Polonius.
Dessen Sohn Laertes fordert, unterstützt von Claudius, Hamlet zum Duell.
Hamlet siegt verwundet und ersticht Claudius, bevor er schließlich
selbst stirbt.
Viele Zitate aus dem Stück sind weltberühmt geworden: Sein oder
Nichtsein, das ist hier die Frage, (To be, or not to be: that is the
question), Etwas ist faul im Staate Dänemark (Something is rotten in the
state of Denmark), Schwachheit, dein Name ist Weib! (Frailty, thy name
is woman!), Ich wittre Morgenluft (I scent the morning air), Die Zeit
ist aus den Fugen (The time is out of joint), Bereit sein ist alles (The
readiness is all), Der Rest ist Schweigen (The rest is silence) und
weitere.
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For more than a year, Kenneth Branagh had
tried shopping his HAMLET project around major studios in Hollywood, but
no studio was willing to finance a four-hour production, citing skepticism of the commercial viability of a Shakespeare adaptation to a
late 20th-century audience. Also, most studios were aware of the
negative reviews and the commercial failure of Branagh's
previously-directed film, FRANKENSTEIN and some of them would only
finance the film if the content and the budget is cut to half. However,
Castle Rock Entertainment, agreed to finance the film and to Branagh's
demands (filming in 65mm, complete control over the film, etc..) under
two conditions: a star-studded cast for the show and a 35mm, abridged
2.5 hour version of the show for a wider release. After some critical
backlash, however, Castle Rock decided to release the complete 4 hours
everywhere in the US and use the shorter version for some overseas
territories only.
HAMLET from 1996 was the first British film to be shot in 65mm in over
25 years since David Lean's RYAN’S DAUGHTER was made in Ireland;
FAR AND
AWAY from 1992 (also shot in 65mm in Ireland) was a Hollywood production
on location. The decision to use 65mm instead of 35mm on HAMLET was a
creative decision. It has always been a dream of director Kenneth Branagh and Director of Photography Alex Thomson to once make a film in
65mm.
Branagh was largely inspired by a film format seminar conducted by
visual consultant Rob Hummel. Hummel convinced him to use the format
because of high-resolution and certain shots could only be achieved in
65mm. Also, Branagh once said that the intention was to give a sweeping
feel to the play, hearkening back to the 1960s epics like LAWRENCE OF
ARABIA. As for Alex Thomson he at one point in his career almost did a
feature film in 65mm: David Lean’s NOSTROMO. Actually the film was only
two weeks away from start of production, when David Lean passed away and
the production was cancelled. Production company Castle Rock
Entertainment only agreed doing the film in the large format if it would
not cost them any extra money with regards to film stock, camera rent,
and so on. Panavision and Kodak were so kind to let Branagh and Thomson
use their materials for just the cost of a 35mm production. So the extra
cost to do it in 65mm came to only about 80.000 British pounds. With a
total budget of 14 million British pounds (the construction of the
Elsinore Castle set alone cost 2 million US Dollars) these 80.000 pounds
were neglectable. In the end production costs were estimated for more
than 18 million US Dollars and the film returned just about 4.7 million
US Dollars from box office – far from being a success.
Kevin Phelan, one of the regulars from the UK attending our film
festival, was working on this film. More precisely he told me that he
was working on the opening titles as well as about 70 visual effects
shots which all were done at a resolution of 5.1K. That was
state-of-the-art back then.
Let me tell you some titbits about the before mentioned „star-studded
cast“ of HAMLET.
Robin Williams and Billy Crystal were not allowed to be on the set at
the same time during filming, for fear they would crack up the cast and
crew, and cause major production delays.
Julie Christie came out of retirement to play Gertrude.
Derek Jacobi who plays Claudius in this film, played Hamlet in HAMLET,
PRINCE OF DENMARK, a TV movie from 1980. He admitted that he had some
difficulty with the role of Claudius as he still kept thinking Hamlet's
lines.
Kate Winslet didn't even audition for the role of Ophelia. Winslet had
previously auditioned for the Helena Bonham Carter "Elizabeth" role in
Kenneth Branagh's FRANKENSTEIN, and Branagh was so impressed that he
offered her the role in HAMLET without so much as a reading. By the way,
it was on the same day that Winslet had to shoot the straitjacket scene
when she learned that she had just been given the role of Rose in
TITANIC.
Kenneth Branagh offered Gérard Depardieu a small part in the 4-hour
version of the film out of gratitude for his active support on the
release of his first feature Henry V in France (not only was he the main
distributor of the film but also dubbed Branagh's voice on the French
version).
Part of the movie was shot at Blenheim Palace, which is owned by the
Duke Of Marlborough. He can be seen in a very small role in the movie as
Fortinbras' General.
But enough said for now – there are more than 4 hours of film waiting
for us. Old Shakespeare would probably say: „To be shown in 70mm or not
to be shown – that is the question“ – we will present you HAMLET the way
it was intended to be seen and heard by its makers: in breathtaking 70mm
and 6-track Dolby Stereo magnetic sound!
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"A Chorus Line"
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Mit A CHORUS LINE gaben Komponist Marvin
Hamlish und Texter Ed Kleban 1975 ihr Debüt am Broadway. Ein Jahr zuvor
wurde Hamlish mit gleich drei Oscars ausgezeichnet: zwei für seine Musik
zu dem Barbra Streisand Film SO WIE WIR WAREN und den dritten für sein
Musikarrangement für DER CLOU. A CHORUS LINE feierte seine
Broadway-Premiere am 25 Juli 1975 im Shubert Theater in New York und
schaffte es dort auf einen Rekord von 6137 Aufführungen. 1976 wurde das
Musical mit dem Tony Award in der Kategorie „Best Musical, Book and
Score“ ausgezeichnet.
Fünf Jahre lang hielt Universal Pictures eine Option auf die
Verfilmungsrechte des Stückes. Doch nachdem sich das Studio vergebens
darum bemühte, den Stoff für die Kinoleinwand umzusetzen, verzichtete es
auf seine Option. Embassy Films, Polygram Pictures sowie Feuer and
Martin Productions ergriffen jetzt die Chance. Gemeinsam mit dem
Drehbuchautor Arnold Schulman arbeiteten die Broadway-Produzenten Cy
Feuer und Ernest Martin, die mit Bühnenmusicals wie HOW TO SUCCCEED IN
BUSINESS und GUYS AND DOLLS sowie ihrer Verfilmung von CABARET große
Erfolge erzielten, am Skript für die Verfilmung. 1983 traten sie an
Richard Attenborough mit ihrem Filmprojekt heran. Schauspieler und
Produzent Attenborough hatte 15 Jahre zuvor bereits mit der Verfilmung
einer Bühnenshow seinen Einstand als Regisseur gegeben: OH! WHAT A
LOVELY WAR war der Titel dieses Projekts. Seither liebäugelte
Attenborough stets mit dem Gedanken, nochmals eine Musicalverfilmung zu
inszenieren. Doch keines der ihm bis dahin angebotenen Projekte reizte
ihn. Als ihm schließlich A CHORUS LINE angeboten wurde, war der Brite
Feuer und Flamme. Im Frühstadium der Produktion wurde bereits
entschieden, dass die Filmversion zwei neue Songs enthalten soll. Das
Ergebnis waren „Let Me Dance For You“ und „Surprise“, ebenfalls aus der
Feder von Marvin Hamlish und Ed Kleban.
Feuer, Martin und Attenborough waren sich einig darin, dass die Wahl des
richtigen Choreographen von entscheidender Bedeutung war. In einem
frühen Entwicklungsstadium der Produktion wurde Michael Bennett, der die
Bühnenaufführung choreographierte und inszenierte, an Bord geholt.
Nachdem die Produzenten jedoch nicht gewillt waren, ihm den von ihm
gewünschten Grad kreativer Kontrolle zu geben, verließ er die Produktion
wieder. Damit fiel die Wahl auf den 27jährigen Jeffrey Hornaday, der
gerade erst mit seiner Choreographie für den Film FLASHDANCE dieses
Handwerk revolutionierte und mit seiner Arbeit an STREETS OF FIRE und
ROMANCING THE STONE sowie Musikvideos mit Paul McCartney und Michael
Jackson von sich Reden machte. Nichtsdestotrotz war es Michael Bennett,
der Produzent Cy Feuer riet, den Hauptfokus des Films nicht auf die
Beziehung zwischen Zack (gespielt von Michael Douglas) und Cassie (gespielt
von Alyson Reed) zu legen.
A CHORUS LINE wurde 1986 für drei Academy Awards nominiert: für den
besten Schnitt, den besten Filmsong und den besten Ton.
Bei unserer 70mm-Kopie handelt es sich um eine Erstaufführungskopie aus
dem Jahre 1986 in FARBE(!) und mit 6-Kanal Dolby Stereo Magnetton. Trotz
der deutschen Synchronisation wurden die Songs erfreulicherweise im
Original belassen und deutsch untertitelt.
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Let me start the English section of my
intro by quoting director Richard Attenborough on his choice of a
director of photography: „A CHORUS LINE“ is such an intrinsically
American subjet, I had assumed that the crew as well as the cast would
be totally indigenous. But although I’d always envisaged having an
American director of photography, for various reasons we were unable to
engage the person I had in mind. So my thoughts went to the possibility
of a British cinematographer and to my old friend, Ronnie Taylor, who’d
won the Oscar jointly with Billy Williams for his brilliant work on
GANDHI.“ End of quotation.
When we test screened A CHORUS LINE in this auditorium back in 2006
already, I contacted Ronnie Taylor with regards to the photographic
process used for filming it. This is the answer I received: „Your
audience who attended the screening of “A Chorus Line” recently were
lucky to see a 70mm print and they were correct to assume it was shot in
Super 35. It was in fact one of the first pictures to be shot using that
system and the 70mm straight blow up from 35mm is the optimum. We used
Panavision cameras and a Louma Crane. It was shot mostly in the Mark
Hillinger Theatre just off Broadway, NY. From my point of view it was a
very enjoyable experience.“
Another outstanding contributor to the movie would come into his own
mainly during post production. This was the celebrated arranger and
conductor, Ralph Burns, whose long list of prestigious picture credits –
aside from his much heralded wotk on TV and Broadway – includes Academy
Awards for CABARET and ALL THAT JAZZ. Editor John Bloom, the other
British member of the technical team, although present from the start of
shooting, would also do the bulk of his work in post production at
Twickenham Studios, on the outskirts of London. Like Ronnie Taylor,
Bloom had also been awarded an Oscar for his work on GANDHI, and had
earlier been nominated for his contribution to THE FRENCH LIEUTENANT’S
WOMAN.
Costume designer Faye Poliakin was new to feature films but, having
shortly before scored great success in the world of music videos with
Michael Jackson, Paul McCartney and Lionel Richie, was very much in tune
with the swiftly changing world of young fashion amongst the New York
gypsies.
„I hoped to make the film in surroundings that were everyone’s dream of
an archetypal Broadway theatre,“ says Attenborough „ and our production
designer Patrizia von Brandenstein managed to capture them perfectly“.
Patrizia, an Academy Award winner for her work on AMADEUS and a nominee
for RAGTIME, says: „I loved the contrast between the curved, darped
complexity of the public part, where illusions support architecture, and
what happens on the stage which is bare and clean. And, as I discovered
during our preparatory work, you’re never really alone in an empty
theatre. It’s full of plays and charcters and ghosts!“
The film’s producers, director and choreographer made an early decision
that the prime qualification for casting the seventeen characters who
stand „on the line“ would be exceptional dancing ability. After that
would come acting and singing talent, considered hand in hand with
appearance. The dance auditions, held over several months in both New
York and Los Angeles – some of them „open“ or „cattle calls“ like that
depicted in the film itself – were attended by nearly four thousand
gypsies.
So now get ready for our 70mm presentation of Sir Richard Attenborough’s
A CHORUS LINE, the beginning of which, by the way, differs from the
versions available on home video formats, as some of you may notice. We
are running the original German dubbed theatrical print from 1986, which
features all the songs in English language and a full blown 6-track
Dolby Stereo magnetic sound mix.
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"55 Days at Peking"" /
"55 Tage in Peking"
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Unter den damals gegebenen internationalen
Spannungen konnte man kaum von Produzenten-Legende Samuel Bronston
erwarten, dass er 55 TAGE IN PEKING in China drehen würde. Deshalb
brachte er Peking nach Spanien. Und wie immer kleckerte er dabei nicht,
sondern er klotzte. Das Film-Peking war der größte Filmbau, der bis
dahin jemals irgendwo errichtet wurde. Executive Associate Producer
Michael Waszynski schuf in fünf Monaten mit 1100 Arbeitern in einem
Rekord-Bauprogramm das Film-Peking, damit Regisseur Nicholas Ray seine
ersten Szenen pünktlich am 2. Juli 1962 dort drehen konnte. Eine
Einzelheit veranschaulicht die Größe des Projektes: etwa 400 Kilometer
Stahlrohre wurden verwendet für die Gerüste der äußeren Tartarenmauer,
der inneren kaiserlichen Stadtmauer, des Himmelstempels und der vielen
Bauten, Gesandtschaften, Missionen und Läden in der mehrere
Quadratkilometer umfassenden Tartarenstadt. Bronston's Peking bedeckte
einen großen Teil des gepachteten Riesen-Areals auf dem Gelände der
Rancho Grande des Marques de Villabragima in Las Matas, 25 km von Madrid
am Fuß der Guadarrama-Berge an der Strasse zum berühmten El Escorial
gelegen. Die nachgebildete Stadt stand - wie das chinesische Vorbild -
inmitten sanft hügeligen Landes, das früher endlose Reihen Gerste trug
und darin eingestreut einzelne Encina-Bäume. Topographisch stimmten
nicht nur Hügel und Felder mit dem Original überein, sondern auch ein
kleiner Fluss war vorhanden, der nur wenig geändert werden musste, um
als Kanal zu fungieren, der im Sommer 1900 zwischen den elf
ausländischen Gesandtschaften in Peking floss. Um die Wasserversorgung
für diesen Kanal und für Feuerbekämpfung sicherzustellen, wurde ein
Reservoir für über 2 Millionen Liter Wasser gegraben. Während der
heissen Sommermonate wurde es aus zwei eigens dafür gegrabenen Brunnen
gespeist, aus denen pro Tag 135.000 Liter Wasser flossen.
Die Arbeit an diesen ungeheuren Filmbauten begann gegen Ende 1961, als
die Verantwortlichen für Architektur und künstlerische Entwürfe, Veniero
Coiasanti und John Moore, ihre ersten Farbskizzen vorlegten. Vorher
hatten die beiden wochenlang in Museen in London, Paris und Rom
geforscht. Ihre Entwürfe basierten auf vielen Photographien, Zeichnungen
und Plänen, die während des Boxer-Aufstandes veröffentlicht wurden, der
die größte Zeitungssensation jener Zeit war. Im Februar 1962 begann der
eigentliche Bau mit dem Ausheben einer über drei Kilometer langen
Strasse von der Landstrasse zum Baugelände. Sie wurde mit 12.000
Quadratmetern Pflastersteinen gepflastert. Entlang dieser Strasse wurden
Stromleitungen und Telefonkabel gezogen. Neben dem Peking der
Jahrhundertwende entstand eine Stadt moderner Häuser: Baubüros,
Werkstätten, Garderoben, die Requisitenabteilung, die Räume der Friseure
und Maskenbildner, eine Gipswerkstätte, Räume zum Ausruhen, eine Küche
und Speisesäle, in denen 1.000 Personen gleichzeitig essen konnten. Ein
Treibhaus wurde gebaut und Ställe für Kamele, Ziegen, Kühe, EseI und
eine Herde "mongolischer" Pferde. Diese waren in Wirklichkeit kleine
Bergponies aus Asturien, Galizien, Pamplona, Avila und Salamanca, die
von erfahrenen Reitern der spanischen Kavallerie für ihre Filmarbeit
ausgebildet wurden. Über 80 Millionen Meter Bretter verschiedener Stärke
wurden gebraucht, um die 400 Kilometer Stahlrohre der Gerüste zu
bedecken. Für die äußere Mauer, 13 Meter hoch und so breit, dass auf ihr
vier Wagen nebeneinander fahren konnten, wurde eine befahrbare
Oberfläche gebaut. Von noch stehenden spanischen Mauern der
Jahrhundertwende nahm man Gipsformen, deren Abgüsse zeitgenössische
Ziegel und Mauern ergaben.
Die Anzahl der Einwohner des zur Zeit des Boxer-Aufstandes belagerten
Pekinger Gesandtschaftsviertels war geringer als die der Arbeiter, die
dieses Areal in Spanien nachbildeten. Während der Dreharbeiten mit
Charlton Heston, Ava Gardner, David Niven und weiterer internationaler
Besetzung bevölkerten manchmal 6.500 Statisten und Schauspieler die
Mauern und Straßen. Regisseur Nicholas Ray und Kameramann Jack Hildyard
mit seinen Super Technirama Kameras schufen die Szenen in Technicolor
nach dem Drehbuch von Philip Yordan und Bernard Gordon. So wurde zum
erstenmal dieses spannende Ereignis der Weltgeschichte auf die Leinwand
gebracht.
Am 20. Juni 1962, genau 62 Jahre, nachdem die chinesischen Boxer ihre
geschichtliche Belagerung der Gesandtschaften von elf Staaten begannen,
startete Nicholas Ray den Film mit einer die ganze Nacht währenden
Probe. Handlung, Kostüme, Farben und Ton wurden geprobt. Es war
wahrscheinlich die sorgfältigste Probe, die jemals für einen Film
abgehalten wurde - mit 125 Technikern, 600 Statisten und den Doubles der
Stars. Unter den geprobten Szenen waren Kämpfe, ein Hofzeremoniell bei
der Kaiserin-Witwe und das Erklettern der 13 Meter hohen Mauern mit
einem Feuergefecht. Die Aufnahmen von 55 TAGE IN PEKING begannen am 2.
Juli, als Regisseur Nicholas Ray eine Nachtszene mit der Sprengung des
chinesischen Arsenals auf Zelluloid bannte.
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While Nicholas Ray’s premonition, related
to his then-wife Betty, about accepting the job of directing 55 DAYS AT
PEKING did not prove quite true, the film nonetheless effectively ended
his career as a commercial filmmaker. Following King of Kings, Ray was
offered the chance (and a lot of money) to do another film with Samuel Bronston’s independent production company, and although Ray later
claimed that he hoped this last fat paycheck would give him the freedom
to pursue his own projects, it is difficult to imagine a subject more
foreign to his sensibilities. A turgid 154-minute quasi-epic about the
Boxer Rebellion, the project seemed doomed from the start. The
production was troubled almost from the beginning. It ran into financial
troubles, there were conflicts among the cast, and director Nicholas Ray
argued so violently with producer Samuel Bronston that he eventually
walked off the set and quit the picture, and soon afterwards suffered a
severe heart attack. Once Ray’s collapse gave the producers the excuse
they needed to eject him from the film entirely, many of Gardner and
Heston’s scenes were directed by Guy Green, while second unit director
Andrew Marton took over the rest of the project. It remains unclear
exactly how much of the film is attributable to Marton’s direction,
although Bernard Eisenschitz, in his book „Nicholas Ray: An American
Journey“, offers some guide, suggesting that Marton jumped in
immediately to shoot an early ballroom sequence. More interesting is
Marton’s handling of the film’s prologue, a series of sweeping crane
shots that take in the many martial bands of the different Western
powers, simultaneously playing their different national anthems and
creating a muddled cacophony.
The film, which was shot in Spain, needed hundreds of Chinese extras,
and the company sent scouts throughout Spain and the rest of Europe to
hire as many Asiatic-looking actors as they could find. The casting web
in 1962 reached as far as London, Lyon and Marseilles, so the result was
that many Chinese restaurants in those cities closed for the summer 1962
during filming because the restaurant staff - often including the
restaurant's owners - was hired away by the film company.
The company hired so many that for several months there was scarcely a
Chinese restaurant to be found open in Spain and those 3 other cities.
Charlton Heston, who originally wanted Jeanne Moreau for the role of
Baroness Ivanoff, stated that the working relationship between himself
and Ava Gardner was very bad. Heston reported that Gardner was very
difficult to work with and behaved unprofessionally throughout filming.
By contrast, Heston said he greatly enjoyed working with David Niven.
Charlton Heston's character, Major Matt Lewis, was loosely based on the
real-life officer in charge of the marine guard at the US Legation, then
Captain, later Lieutenant General, John Twiggs Myers. Myers was in the
forefront of some of the toughest fighting in the besieged legations.
There are some cameo appearances in the film which you might be able to
spot:
Director Nicholas Ray can be seen in the role of an US minister. Dong
Kingman, who painted the watercolors for the titles, is giving an
uncredited appearance as well.
And Paul Naschy, the true king of Spanish horror movies, appears as an
extra.
To receive a 'U' certificate in the UK (making the film suitable for all
ages) significant cuts were made by the BBFC. These included the scene
of the priest being drowned by the water-wheel, a shortening of the
screaming sounds made by the soldier before his leg amputation, and a
removal of all references by Lewis to local women being made available
for soldiers. To retain the same certificate all video releases also
featured the same cut print. It will be interesting to see whether our
print, which is a German dubbed 70mm version, offers these extra scenes.
The music for 55 DAYS AT PEKING was composed by Dimitri Tiomkin, who
would score another two epics for Samuel Bronston: THE FALL OF THE ROMAN
EMPIRE and CIRCUS WORLD, both of which we had in our festival in
previous years. To tell you more about the composer it is my pleasure to
welcome Thomas Rübenacker.
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"Kelly's Heroes" / "Stoßtrupp Gold"
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Der letzte Film unseres „Todd-AO 70mm
Filmfestivals“, KELLY’S HEROES oder STOSSTRUPP GOLD, hatte ursprünglich
eigentlich einen ganz anderen Titel: THE WARRIORS. So zumindest lautete
der Titel des Original-Drehbuchs von Troy Kennedy Martin, das im Grunde
genommen ein Genre-Mix aus Kriegsfilm, Abenteuerfilm und Bankräuberstory
war. Sidney Beckerman, Gabriel Katzka und Harold Loeb kauften den Stoff
in ihrer Funktion als Produzenten für MGM ein.
Clint Eastwood wurde für die Hauptrolle verpflichtet, als er gerade
zusammen mit Shirley MacLaine für den Western TWO MULES FOS SISTER SARA unter Regie von Don Siegel vor der Kamera stand. Eastwood, durch seine
Mitwirkung in den Italo-Western von Sergio Leone quasi über Nacht zum
Superstar geworden, hatte zu dieser Zeit zwar bereits seine eigene
Produktionsfirma „Malpaso“ gegründet, musste aber gegenüber MGM noch
vertragliche Verpflichtungen erfüllen.
Wäre es nach Eastwood gegangen, so hätte Don Siegel auch die Regie bei
THE WARRIORS übernehmen sollen. Der aber war mit der Post Production zu
TWO MULES FOR SISTER SARA vollkommen ausgebucht. Die Wahl fiel damit auf
Brian G. Hutton, der für MGM ein Jahr zuvor WHERE EAGLES DARE – AGENTEN
STERBEN EINSAM inszenierte und damit großen Erfolg hatte. Der damalige
Studioboss James T. Aubrey, zu dessen rigorosem Vorgehen bei der
Zerschlagung der MGM ich gestern bei MISSOURI schon etwas erzählt habe,
hatte THE WARRIORS von nicht weniger als zwei Vorgängern geerbt. Und er
war nicht gerade enthusiastisch bei diesem teuren Projekt, konnte man
doch mit Billigproduktionen wie EASY RIDER sehr viel mehr Profit
erwirtschaften. Die „grinsende Kobra“, wie Aubrey gerne bezeichnet wurde,
ließ zunächst den Titel des Films von THE WARRIORS in KELLY’S WARRIORS abändern, um ihn dann in
KELLY’S HEROES umzutaufen. Und mehr noch. Zu
Eastwoods Entsetzen ließ er die philosophischen Ansätze und Anti-Kriegs-Aspekte
des Film weitgehend unterdrücken.
Eastwood hatte auch noch ganz andere Bauchschmerzen. Denn MGM setzte den
Start von KELLY’S HEROES verdammt nahe auf jenen Tag an, an dem auch
TWO
MULES FOR SISTER SARA in die Kinos kommen sollte. Eastwood soll gesagt
haben: „Warum sollte ich mir auf der gegenüberliegenden Straßenseite
selber Konkurrenz machen?“. Eastwood hatte recht: beide Filme starteten
fast zeitgleich und blieben unter den Erwartungen.
Die Rezensionen für KELLY’S HEROES nach seiner Uraufführung reichten von
wohlwollend bis durchschnittlich, doch der Film hielt trotzdem seinen
Kritikern stand. So schrieb Robert Weiner in der Zeitschrift
„Inter/View“: „Das ist ein wirklich schlechter Film. Doch ich muss
zugeben, dass er mich nach der ersten Stunde seiner Spielzeit mit seiner
Albernheit richtig gepackt hatte und ich den Kinosaal bestens
unterhalten verließ.“
Als Chefkameramann bei KELLY’S HEROES fungierte Gabriel Figueroa, der
auch als Kameramann bei TWO MULES FOR SISTER SARA verantwortlich
zeichnete. Aufgenommen wurde in 35mm Panavision Anamorphic. Wie zu jener
Zeit noch üblich, ließ MGM den Film für sogenannte Roadshow-Kinos auf
70mm aufblasen und mit einer Pause versehen. Bei unserer 70mm-Kopie
handelt es sich um eine solche Roadshow-Kopie, die nach wie vor über den
deutsch synchronisierten 6-Kanal Stereo-Magnetton verfügt, jedoch ihre
Farben im Laufe der Jahre leider verloren hat.
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After six months of pre-production, cast
and crew of KELLY’S HEROES shipped out to Yugoslavia in July of 1969,
remaining there until late in the year. Yugoslavia was chosen mostly
because earnings from previous showings of movies in there could not be
taken out of the country, but could be used to fund the production.
Another reason to shoot in Yugoslavia was because under Marshal Tito the
country had a vast store of military hardware, ranging from Soviet
equipment to vintage World War II machinery. Eastwood later recalled
pulling machine guns that had never been used from the original World
War II crating, and the production obtained U.S. jeeps with only a
couple of hundred miles on their odometers. Especially important for the
film was the Yugoslavian army’s supply of Sherman tanks, specifically
referenced in the script and dialogue as the vehicles of Oddball’s
miniature battallion. Equally pivotal was the German army’s fearsome
Tiger tanks, which were created by modifying Russian T-34s. The noise
made by electric motors of the Tigers' turrets was later used for the
movements of the power lifters in ALIENS, by the way.
The film was going to have a female role, but prior to filming, it was
cut from the script. Ingrid Pitt, who was cast in the role revealed that
she was virtually climbing on board the plane bound for Yugoslavia when
word came through that her part had been cut.
The production was a vast enterprise involving armies of extras, two
groups of vintage tanks, dozens of support vehicles, and hundreds of
explosives. The shoot was also plagued by bad weather, sicknes among the
cast and crew, and accidents. It is reported that Donald Sutherland
became seriously ill during filming on location in Yugoslavia. His wife
received a telegram telling her to come immediately but warning her that
he would probably be dead before she arrived.
There is a nod to Eastwood's spaghetti westerns in the standoff with the
Tiger tank - a virtual remake of the ending of THE GOOD, THE BAD AND THE
UGLY, right down to the musical score composed by Lalo Schifrin, who, by
the way, will celebrate his 80th birthday next year. Most famous for his
theme for the TV series MISSION: IMPOSSIBLE, Schifrin had already scored
SOL MADRID for director Brian Hutton and worked on COOGAN’S BLUFF
starring Clint Eastwood when he got the assignment for doing KELLY’S
HEROES. And if you listen carefully you may find one of the tracks in
KELLY’S HEROES very familiar. Lalo Schifrin's "Tiger Tank" was also used
in Quentin Tarantino's INGLOURIOUS BASTERDS for the tension building end
scenes. The most memorable tune in KELLY’S HEROES, however, is a jazzy, irreverend march for whistlers and percussion. This march was replaced
in the main and end titles by a song sung by the „Mike Curb
Congregation“ and composed by Schifrin: „Burning Bridges“. Mike Curb at
the time was head of MGM Records and later served as lieutenant governor
of California between 1978 and 1982. The Mike Curb Congregation's
recording of "Burning Bridges" reached number 34 on the Billboard Hot
100 singles chart on March 6, 1971. A record was made of Clint Eastwood
singing "Burning Bridges" as well. It was released as a 45-rpm disc with
the B-side of "When I Loved Her" also sung by Eastwood, and written by
Kris Kristofferson.
Let me close my introduction with a nice little trivia. Although he does
not appear in the credits, future director John Landis worked as a
production assistant on KELLY’S HEROES. He also appears in the movie,
dressed as a nun. It is said that during the shooting of the picture in
Yugoslavia, he wrote the first draft of what would eventually become AN
AMERICAN WEREWOLF IN LONDON.
KELLY’S HEROES will be presented in a German dubbed 70mm blow up print
intended for roadshow engagements. The 6-track mix is still intact, the
colours aren’t. So use your imagination.
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Updated
28-07-24 |
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